Ya sabéis que me entusiasma la fotografía técnica, y en concreto me resulta muy interesante la de publicidad, ya que suele estar muy trabajada para transmitir el mensaje publicitario y las sensaciones deseadas de una manera muy potente.

Hoy os enseño un par de ejemplos de mis primeros pinitos en este área y os dejo la receta adquirida de mis profesores y que he utilizado con un compañero para lograr estas imágenes. También es válida para fotografiar casi cualquier otro tipo de bebida, así que apuntad!

Evidentemente, el encuadre y el fondo son totalmente neutros y aburridos, lo sé, pero se trataba principalmente de practicar la técnica para dar esa sensación de frescura y que se vea tan apetecible, así que no seáis demasiado duros con la crítica. Además, he incluido un par de “trampas” por si a algún listillo que se la encuentre por internet tiene la tentación de lucrarse con ella: en la primera es evidente y consiste en que la copa y la botella de Mahou no se corresponden con la misma variedad de cerveza, en la segunda simplemente el líquido no es cerveza de trigo Franziskaner sino tan solo pilsner barata de supermercado (el color y transparencia no tienen nada que ver).

Ingredientes

• K-line mateador para fotografía en spray o aerosol, que podéis encontrar en comercios de fotografía.
• Glicerina pura, también la venden en cualquier tienda especializada.
• Agua.
• Un pulverizador recargable, un trapo y todo el material fotográfico que queramos utilizar para nuestro bodegón (cartulina/fondo, mesa de bodegones, iluminación, etc.).
• Los elementos a fotografiar: vaso o copa, botella (es muy importante que esté del tiempo! si está fría no saldrá bien) y alguna botella más de repuesto (también del tiempo!! así que olvidad lo de aprovechar para ahogar las penas después si no os sale jeje) que necesitaremos para llenar el vaso sin tener que abrir la botella del bodegón (podéis usar otro líquido sustitutivo que quede aparente, yo por ejemplo usé litronas de las más baratas que había en el supermercado) o de recambio en caso de que se nos rompa o se estropee algo de la etiqueta, por ejemplo.

Procedimiento

1. Preparar el set de bodegón fotográfico: luz principal y secundarias (si las hubiera), fondo, etc.
2. Con el trapo, limpiar muy muy bien la botella (quitar la etiqueta trasera si fuese necesario, yo con las prisas lo olvidé en la de Mahou y queda fatal) y el vaso que vamos a fotografiar, cuidando que quede perfectamente seco e impoluto (yo recomiendo utilizar guantes de algodón para manipularlos de aquí en adelante, o ser extremadamente cuidadosos).
3. Aplicar varias capas de mateador a los elementos, cubriendo de manera amplia toda la zona que será visible en nuestra fotografía (no hace falta echar por la parte trasera si no se va a ver, y así luego podemos sujetar por esa parte sin que se nos escurra).
4. Hacer una mezcla para el pulverizador con proporción de 20% agua y 80% glicerina, y rociar los elementos para conseguir el acabado que nos guste (yo recomiendo tratar de conseguir gotas del mayor tamaño posible y no pasarse para que no se empape la superficie, así evitamos que se creen esos “ríos” como el que se puede apreciar en la botella de Mahou).
5. Con mucho cuidado para no estropear el acabado, colocar nuestro bodegón, de momento sin líquido, para hacer las pruebas de encuadre e iluminación que necesitéis.
6. Una vez que tenemos todo listo ya sólo nos falta poner la cerveza en el vaso, con mucho cuidado para no verter ni una gota por fuera que estropearía nuestro bodegón, y disparar nuestra foto. Aquí tendréis que buscaros la técnica para dejar la espuma al nivel que os guste y hacer las fotos rápidamente para que no le de tiempo a bajar (por eso es importante tener todo lo demás ya más que probado y resuelto), aunque hay gente que utiliza otro tipo de espumas sintéticas para emularla y tener mucho más tiempo.

Un consejo adicional sobre la iluminación es utilizar una sola luz y rellenar con algún reflector si nos hace falta, pero además si queremos darle un brillo más impactante aún al líquido del interior, podemos recortar cartulina reflectante (metalizada muy clara o tipo espejo) con la forma de la proyección de la botella y/o del vaso/copa y colocarla detrás cuidando que refleje la luz principal a través del líquido hacia cámara (recordad quitar la etiqueta trasera de las botellas!).

También nos podemos ahorrar la carísima glicerina y el también caro mateador, untando simplemente con vaselina y rociando agua. Aquí tenéis explicada otra técnica que puede que salga un pelín más económica, aunque si vamos a hacer este tipo de foto tan cuidada normalmente será por encargo (más o menos bien pagado) y lo que primará será un resultado excelente por encima de unos euros más o menos.

A practicar!

Ejercicio para el taller impartido por Carmen Dalmau, cuyo tema era la mirada o contemplación de una obra artística.

Me encontré con ésta oportunidad durante el montaje de la exposición colectiva de alumnos del Master Internacional EFTI 2009-2010, sin haberlo premeditado, y he querido ser un poquito crítico con todo este mundillo de "artisteo" haciéndome este autorretrato. Un poco rebuscado, supongo, pero si queréis se le puede buscar simbología en esa dirección.

Cosa “friki” dónde las haya… alguna vez habíais visto una escalera para dedos? Pues aquí tenéis un par de ellas, para poder elegir al gusto (yo me quedo con la rústica, la de la izquierda, que tiene mucha más clase oiga!).

La explicación a este hallazgo en la foto que os dejo a continuación…

Es una zona de ejercicios para personas mayores que el ilustrísimo Ayuntamiento de Madrid ha plantado al lado de mi casa. Lo cual está muy bien porque es un barrio mayoritariamente de viejos personas ancianas. Me ha hecho gracia también que pongan en el propio cartel tanto el teléfono de emergencias como el de la Policía… qué sociedad tan perfecta ésta en la que vivimos hoy en día! jeje.

Que por qué me fijo en estas cosas tan frikis (o tan estúpidas, según opiniones) y encima lo publico en el blog? Pues por un lado porque esta clase de tonterías son las que más me llaman la atención (qué le voy a hacer, será genético) y, por otro lado, porque necesitaba un motivo para probar mi nuevo objetivo, un AF-S Nikkor 50mm f/1.4G, que además me ha conseguido un amigo a precio de ganga (mil gracias otra vez!!!), y de paso publicar cuatro fotos que os dejo a continuación.

Es impresionante la pequeñísima profundidad de campo que se consigue con esas aperturas tan luminosas y lo naturales que son los desenfoques gracias al diafragma de 9 palas redondeadas (esto hace que en lugar de aparecer puntos de luz hexagonales o similares que estaréis hartos de ver en las fotografías con mucho bokéh, éstos sean circulares, dando una sensación mucho más natural). Evidentemente tiene muchas más ventajas una lente como ésta, principalmente la calidad óptica, pero en un primer día de estreno me quedo con lo más anecdótico y lo “stunning” del cacharrito.

En fotografía, siempre se ha dicho eso de “acércate más”, y eso es lo que estoy haciendo con esta serie de retratos en primerísimo primer plano horizontal. Es un tipo de plano muy utilizado en el cine y que siempre me llamó mucho la atención, si a eso le sumamos mi reciente interés por el retrato y por las diferentes maneras que tiene la gente de mostrarse al ponerse delante de una cámara, que además me gusta llevar un poquito la contraria (el retrato tradicionalmente es vertical), lo mucho que observo a los demás mientras hablo con ellos (sus rasgos, facciones, peculiaridades, imperfecciones,…) y lo que siempre me impresionó la mirada de algunas personas… pues sale esto.

De momento son pocas, pero seguiré trabajando hasta tener una buena colección, quién sabe si 50, 100 o 1.000. La galería es ésta, aunque pongo algunas después del salto.

Esta semana en la escuela tenemos un taller con el famoso fotógrafo francés Antoine D’Agata, miembro de MAGNUM y dedicado a lo que él mismo denomina como la forma más pura de documentalismo: un diario íntimo centrado en la noche, la droga y la prostitución, es decir, en su vida.

Desde hace unas semanas, y debido a las charlas que mantenemos durante los talleres del master, le doy vueltas también al tema de la fotografía conceptual, el “arte” (esa palabra que tanto me gusta y tanta gracia me hace), el centrarse en el acto fotográfico en sí, la intencionalidad, el por qué de las cosas, de las fotos, qué enseñar, qué expresar y cómo hacerlo,… miles de cuestiones corretean por mi mente como pollo sin cabeza, a trompicones, sin rumbo, chocándose unas con otras, cayéndose y levantándose nuevamente… Todo esto junto con el taller de esta semana me empezó a confundir más de lo habitual, pero ahora me está dejando las cosas mucho más claras.

Lo siento, probablemente tengo una mente enferma de ingeniero, cuadriculada desde el inicio por los prematuros años de conservatorio de música, alemanizada por el obsesivo orden implacable de la madre que me parió, maniatada por la lucha constante contra los elementos físicos tendentes al caos en contra siempre de mi voluntad, obsesionada con los pequeños reductos de belleza cuasi-perfecta e irreal que a modo irónico se encuentran pocas veces en un mundo tan feo en general,… pero yo lo veo así. Y pienso yo… en un momento artístico fotográfico en el que la forma es lo de menos y lo que se prima es el concepto y el significado que hay detrás, yo me pregunto… ¿qué sentido tiene currarse tanto un trabajo artístico que no se llegue a entender o que no suscite en nadie el interés suficiente como para romperse la cabeza el tiempo necesario para comprenderlo? ¿y qué valor documental tiene hoy en día mostrar una intimidad que ya no es tal, cuyo significado ya no es el mismo que tenía antaño, cuando era algo desconocido y verdaderamente privado? ¿a quién le importa todo esto si no tenemos nada qué decir a lo evidente y si la estética nos la suda y al espectador no le llama la atención?

No sé si estas preguntas son estúpidas (seguramente lo sean, y quizá me de cuenta de ello en unos cuantos años) o no, pero lo que tengo claro es que para mí no tienen una respuesta satisfactoria. Supongo que para gustos colores (o blanco y negro) y cada loco con su tema, pero estos son tiempos de redes sociales y de locuras que no tendrían sentido hace tan solo 3 o 4 años, y mucha gente parece ajena a cómo el mundo está cambiando. Yo creo que para determinadas cosas existen otros lenguajes y otros foros.

Qué viva la estética, la forma sobre el contenido y la simplicidad!!

Desde su base de operaciones en Santiago de Compostela, MAGNETOVA ENTERTAINMENT, la empresa audiovisual más tenebrosa, mágica y alquímicamente productiva de la vieja y bizarra Europa (y probablemente del mundo entero) da a luz a su primer video corporativo, en el que se desvelan algunos de sus secretos más íntimos que han permanecido ocultos hasta ahora…

Recomiendo visualizarlo en HD y a pantalla completa.

En la clase que tuve hoy sobre emulsión fotográfica y hablando de todo un poco sobre cámaras antiguas y demás, nuestro profesor Valentín Sama nos habló sobre la existencia de una cámara “ramera” que él consiguió para su colección personal y además, para más INRI, de color rojo pasión! Eso, por supuesto, entre otras muchas curiosidades, pues él es como un libro abierto lleno de información valiosísima y muy pero que muy interesante. Por cierto, os recomiendo “encarecidísimamente” su blog personal si os gusta la técnica fotográfica y las cámaras!

Resulta que es una cámara que salió en el año 1959, de la mano la casa japonesa KOWA, y que combinaba en un mismo dispositivo portátil una radio y una cámara. De ahí su nombre: radio camera… ramera.

Echando un ojo al manual de instrucciones original (en inglés), vemos que los títulos de cada apartado son, cuando menos, simpáticos para cualquier castellano-parlante: HOW TO USE THE RAMERA, WHAT IS THE RAMERA?, Specifications of RAMERA. Hasta se incluyen perlas como “Ramera will double your holiday pleasure wherever you may go” (en español: “la Ramera duplicará el placer de tus vacaciones donde quiera que vayas”), cuyas perversas interpretaciones seguramente jamás habrían imaginado sus autores cuando lo escribieron, y todo por tan solo un poco de mala suerte al bautizarla. Hay fotos del interior del manual aquí.

Por cierto, que el nombre técnico de la Ramera era KTC-62, y también fue comercializada bajo el nombre de Bell Kamra (de la cual podéis encontrar imágenes de buena calidad más fácilmente por Internet), aunque yo puestos a elegir me compraría la Ramera, sin ninguna duda! Otros ejemplos de nombres poco estudiados o desafortunados para su comercialización a nivel mundial serían el todoterreno Mitsubishi Pajero (al cual sus creadores tuvieron la precaución de cambiar el nombre para su comercialización en países hispanohablantes por el de Montero), la comida para perro de marca ASCO u otros muchos como los que nos enseña Kirai.

Este invento combinado tan curioso, incorporaba una radio de 6 transistores y una cámara de fotos subminiatura para chasis de película de 16 mm, con una lente Prominar de 23 mm f/3.5 que ofrecía una enorme profundidad de campo incluso en su diafragma más abierto, evitando así la necesidad de incorporar mecanismo de enfoque alguno.

Ésta es la parte de RA (radio), que realmente es lo que ocupa la mayor parte del espacio útil de la caja:

…y ésta la parte de MERA (camera):

Y para más detalles, el mapa:

Fotos de la versión en rojo y más información detallada sobre la KOWA ramera en DSLR Magazine, por Valentín Sama.

Pues rotundamente SÍ!!!

Y ya que hoy me ha dado por escribir y para una vez que tengo ganas, os contaré una historieta con pelos y señales después del salto (para los que tengan ganas)…

Hoy volviendo a casa tras la primera clase de “retrato editorial” con Luis de las Alas, me di cuenta de que me quedaban tan sólo 6 exposiciones por tirar en el carrete de blanco y negro que estuve usando las dos últimas semanas (el mítico Kodak Tri-X 400) y como quiero revelarlo un día de estos, en cuanto me bajé del tren en mi estación me puse a buscar composiciones que me resultasen atractivas jugando con la arquitectura de la estación y combinando sus líneas con las escaleras mecánicas, pasamanos, andenes al fondo,…

Es una estación de una única línea de metro que da cierto juego porque no está apenas enterrada y es muy abierta (no es la típica llena de pasillos, sino que se ve entera desde la entrada), como una enorme cavidad con un simple techo sobre el que hay un parquecillo con unos grandes “tragaluces” de diseño piramidal, cuenta con dos zonas de tornos de entrada que están en dos partes altas enfrentadas y con plena visibilidad de un lado al otro, bajan hacia los andenes simétricamente con escaleras mecánicas y en tres niveles (entradas, andenes y un nivel medio donde puedes ir hacia un lado o el otro) en los que hay grandes aberturas ovaladas desde las que puedes asomarte hacia los andenes que están justo de bajo. Tiré un par de fotos desde las escaleras de subida del nivel medio al alto, pudiendo encuadrar en vertical un poco de todo: escaleras, abertura con vista a los andenes, escaleras de enfrente, tornos/entrada de enfrente y techo. Tenía su dificultad porque iba con la cámara analógica sin trípode, con película de 400 ASA y la iluminación allí no es muy fuerte, aunque visualmente pueda parecer que está muy bien iluminado todo, así que tuve que tirar con el diafragma abierto al máximo (dejando fuera de foco todo lo de mi lado, que únicamente consistía en las escaleras y pasamanos dirigiendo la vista a la parte de enfrente) y hacer un ejercicio de pulso de esos como para robar panderetas.

Tras el buen rato que me llevó preparar la foto y tirar un par de veces, pensé que podría gustarme más un encuadre desde el óvalo de arriba, viéndose más los andenes, con tren incluido, y más lejana aún la entrada de enfrente, además así podría usar el pasamanos de apoyo para que no se me moviese la cámara y tirar a menor velocidad con un poco más de profundidad de campo. Así que subí, pasé los tornos de salida y comencé a buscar el sitio, cómo colocar la cámara para conseguir dejarla completamente recta (al no ser digital me fastidiaba más tirar la foto torcida), y a esperar a que llegase un tren en el sentido que me interesaba. Cuando estaba yo todo concentrado a punto de hacer la foto, una mujer (empleada de Metro) me grita desde la puerta de la taquilla mientras camina hacia mí y con un tono ciertamente amenazante: ¡oye! sabes que no se pueden hacer fotos, no??! puedes sacar los andenes pero no a la gente! Por supuesto, hice lo que hago siempre en este tipo de casos, sonreír y decir que sí como a los locos: tranquila, si con este objetivo no podría aunque quisiera. Tras fastidiarme la foto, se dio la vuelta recelosa, probablemente por un momento de falta de agilidad mental para soltarme una réplica coherente. Yo volví a recuperar mi encuadre y a esperar al siguiente tren, hice mi foto y me fui a casa bien contento (espero que haya quedado como yo creo! colgaré la foto en cuanto la tenga revelada y escaneada).

Pero al llegar a casa alguna pregunta que otra rondaba mi cabeza: ¿seguro que no podía hacer fotos a quien me diese la gana en el Metro siendo un lugar “público”? ¿seguro que podía hacer fotos como si nada siendo un recinto regentado por una empresa? ¿por qué nunca he visto ningún cartel sobre la prohibición de hacer fotografías o al contrario? ¿qué pasa si está prohibido y “me pillan” haciéndolo? La verdad es que siempre he hecho las fotos que me ha dado la gana en el metro y nunca me habían dicho nada, pero como me picó la curiosidad, me puse a investigar un poco y tras leer unas cuantas páginas, el reglamento del viajero de Metro de Madrid en el que no encontré ninguna referencia al uso de cámaras fotográficas, y un par de foros de Flickr, aquí y allá,… creo que tengo información suficiente para poder afirmar que en España tenemos pleno derecho a hacer fotografías en el Metro de Madrid y en cualquier otro sitio público sin ningún tipo de permiso previo específico, siempre conociendo ciertas restricciones lógicas (lugares delicados como comisarías o zonas militares, recintos cerrados o privados donde esté expresamente prohibido, uso limitado -sin flash- en iglesias o acuarios, etc.).

Aquí os dejo una circular de Metro de Madrid del año 1984, y que sigue vigente pues no ha habido ninguna otra comunicación oficial al respecto desde entonces, en la que se informa al personal de que está permitido realizar fotografías sin previa autorización:

Y aquí unos cuantos enlaces de referencia:

•  ¿Puedo hacer esa foto?: enfocado a aeropuertos pero aplicable en general y da respuestas a las preguntas más cruciales que se nos plantean sobre el tema.
•  Permitido hacer fotos en el metro: explica bastante bien cómo está la cosa en Renfe y Metro, y el porqué.
•  Permiso concedido: unos cuantos ejemplos prácticos de lo que se puede y lo que no se puede fotografiar libremente y de qué manera.

Resumiendo las preguntas y respuestas que a mí personalmente me han parecido más interesantes y aclaratorias:

Me informan desde Glamlife, el portal de estudiantes de la Universidad de Glamorgan (en Pontypridd, UK), que han utilizado una de mis fotografías del Chicago River teñido de verde para un artículo que han hecho sobre el día de San Patricio.

Como sabréis, suelo liberar la mayoría de mis fotos bajo una licencia Creative Commons que permite su uso libre con las únicas limitaciones legales de atribución de autoría, uso exclusivamente no comercial y la liberación en los mismos términos de licencia en caso de que sea modificada o empleada para la creación de un nuevo contenido visual (by-nc-sa). Esto hace posible que cualquier persona u organización que vea una de estas imágenes en mi Flickr y desee usarla, puede hacerlo libremente, siempre bajo estos términos y respetando dicha legalidad, aunque por supuesto también hay determinados individuos y medios que de manera habitual se saltan todas estas cosas y ni siquiera mencionan quién es el autor o, peor aún, se aprovechan de este tipo de imágenes para sacar beneficio, pero hoy en día no por ello vamos a tratar de “poner diques al mar”, no? Al fin y al cabo, las fotos guardadas en un cajón o en un disco duro no valen para nada. Yo personalmente prefiero que mis fotos se vean, aunque me las roben.

Existe un gran debate abierto bastante candente sobre este tema, muy impulsado por los fotógrafos de toda la vida (clásicamente procedentes del mundo analógico) que son más reticentes a los cambios que trae poco a poco Internet y/o con menos cultura sobre el mundo digital, pero yo creo que intentar mantener modelos de negocio obsoletos (como el de la música, por poner un ejemplo fácil) no solo es erróneo sino además una misión imposible a medio-largo plazo, y tendrán que cambiar drásticamente para sobrevivir. Para mí, no tiene mucho sentido el sentirse indefenso ante la piratería o atacado por la democratización de la fotografía (gracias a la proliferación de cámaras digitales y su constante y rápida evolución), pues creo que precisamente lo que estamos viviendo es una situación muy emocionante en el buen sentido, una revolución fotográfica solamente comparable quizá a la provocada a principio del siglo XX por George Eastman y sus Kodak Brownie al alcance de casi cualquier persona, y lo que debemos hacer es adaptarnos naturalmente a lo que venga, pues siempre se necesitarán profesionales sea del modo que sea.

Esta imagen la tomé durante la celebración del St. Patrick’s day 2009 desde el puente de Columbus Drive.

Aquí dejo un par de imágenes más del río teñido de ese verde tan increíble:

Bueno, parece que mis fotos, con esto de las licencias Creative Commons y la proliferación de la publicación literaria en blogs personales, poco a poco empiezan a coger un poquito de ritmo y ya al menos puedo decir que algunas de ellas han servido para algo o que le han resultado útiles a alguien, lo cual me encanta.

Mi ya casi habitual publicador Larry Bullock, ha escogido en esta ocasión mi foto de la O’Brien’s Tower en los acantilados de Moher (costa oeste de Irlanda) para su haiku de ayer:

A lonely tower
looking over the cliff wall
guarding the landscape

Por otro lado, y no menos importante porque lo ponga en segundo lugar (sinceramente, era por no repetir foto de cabecera jeje), Rocío Peñalta Catalán ha escrito la última entrada de su blog utilizando el bodegón de limón que hice la semana pasada:

Desde luego, no ha resultado como yo esperaba. Es ácido, irritante; con él, vuelven a doler viejas heridas que creía ya cerradas, e incluso, a veces, me hace llorar. He encontrado a mi medio limón.